sábado, 19 de enero de 2013

Para el trabajo de análisis.


Hola:
 
Para que tengan una mejor idea del trabajo que tienen que presentar les dejo las siguientes características:


      Todo trabajo de investigación consiste en una reflexión y concreción de ideas en torno a un fenómeno especifico. Permite organizar nuestros pensamientos y exige planear de forma clara y coherente tanto objetivos como actividades a realizar para comprobar -o desechar- la suposición planteada.        
           
         Por otra parte, la redacción debe permitir un buen entendimiento evitando interpretaciones erróneas de su contenido (la falta de claridad puede revelar confusión del autor o mala organización en la elaboración del trabajo), que la información sea sólo la necesaria, que no sobrepase la capacidad de quien elabora el trabajo y bibliografía relevante.

      El trabajo está constituido por una serie de rubros que, sin ser un patrón rígido, si consideran los aspectos más relevantes:  

·     Título. Debe ser claro y que refleje el contenido del trabajo.
·    Objetivo. Expresan la finalidad de la investigación, alcances y limitaciones por lo que deben ser claros y susceptibles de ser alcanzados. 
·  Análisis. Corresponde a la vinculación entre fenómeno, modelo teórico y la descripción de dichas correspondencias.
·  Conclusiones. Constituyen un cierre global al trabajo e interpretación de sus resultados.
·    Bibliografía. Aglutina aquellas fuentes usadas a lo largo del trabajo como notas a pie de página. No cuentan páginas de internet. 

A esto deben sumar lo que es propiamente el análisis de la imagen que, como ya dijimos, considera:

Elementos formales.
 Aquellos que determinan el estilo y expresión de la imagen, su organización interna y lógica estructural y que consideran al menos su manejo de formas básicas, sus armonías y contrastes, sus materiales y el color.
 

Aspectos contextuales y de contenido.
 Los que determinan su uso: su relevancia histórica y la filosofía que la legitima, su importancia artística, etc.

Saludos


martes, 15 de enero de 2013

Material para autoretrato.

Para uno de los trabajos finales, su autorretrato, la lista de material es:

   1.- Una fotografía reciente. Tamaño carta donde lo más importante es su rostro.  Pueden entonces partir de una foto donde estén acompañados pero deberán ampliarla de tal forma que lo más importante siga siendo su cara.
   2.- Un octavo ilustración o cascarón.
   3.- Sus colores acrílicos. La mayor cantidad de colores que les hayan quedado. No compren todavía hasta ya tener los colores con los que van a trabajar.
   4.- Pinceles, godete, cinta cristal, su rodillo.
   5.- El material de siempre: lápiz, goma, regla, etc.

lunes, 7 de enero de 2013

1.- Los discursos del arte


Todos los días nos enfrentamos a objetos físicos y situaciones a los que, independientemente de nuestro nivel económico o cultural, les otorgamos diferentes valores y significados. Al mismo tiempo, dicho entorno tiende a privilegiar lo práctico y lo inmediato como el mejor criterio de evaluación de la realidad, por lo que es de esperar que, para algunas personas, todo objeto debe necesariamente reflejar su utilidad.  

     A nivel histórico y social, nuestro contexto nos ha permitido desarrollar cierta sensibilidad frente a los objetos, es decir, si bien la elección del lugar que habitamos, lo que vestimos y escuchamos implica criterios de tipo funcional y práctico, resulta innegable cierta cuestión de gusto: procuramos rodearnos de aquello que nos resulte agradable. 
 
     Dichos objetos, los "agradables" (o también considerados "estéticos"), rebasan la utilidad práctica y poseen un valor identitario: reflejan lo que somos y hemos sido, dándonos  referentes tangibles de nuestra memoria. 

 Cerámica griega.

Así, podemos entender nuestro entorno familiar como un criterio instituido por nuestra cultura para establecer vínculos emocionales, es decir, los diferentes aspectos que nos rodean son elementos a partir de los cuales podemos definir nuestra personalidad.


El campo del arte nos ayuda a comprender cómo algunas personas construyen, a partir de éste, su identidad y entorno por lo que adquirir una educación formal de esta actividad aporta elementos para el desarrollo de nuestra propia sensibilidad. Así, y si bien todo proceso social implica el desenvolvimiento de la capacidad intelectual, resulta innegable la importancia de desarrollar nuestra propia sensibilidad.

     Sumado a esto, debe considerarse que vivimos en una cultura de la imagen en la que prácticamente todo es fácilmente reproducible: nuestra experiencia de las cosas pasa por lo visual, las imágenes que nos rodean no presentan un orden preciso, es decir, pertenecen a campos tan diversos como la publicidad, los medios de comunicación o el arte por lo que cada vez resulta más difícil distinguir entre algo que tradicionalmente se le llamaba "culto" y de lo "popular" o del mero "espectáculo de las masas" como por ejemplo:



Esta sobreabundancia de imágenes plantea ciertas características:  si bien su consumo (y el de los objetos artísticos) ha dejado de ser exclusivo de las elites, suele pensarse que leer las imágenes es algo muy sencillo -incluso más que el lenguaje escrito- y que podemos "dominarlas" con una simple mirada pues "todo está ahí para ser observado sin exigir ningún orden de lectura".

     Pero esto no necesariamente es así; de hecho, en una cultura marcada por la ausencia de jerarquías visuales resulta fácil ser manipulado por quienes generen la cultura o las imágenes. Puede decirse incluso que algunas imágenes incluso encierran más de una lectura. Un ejemplo claro de esto sería la siguiente imagen:


Esta imagen permite plantear diferentes preguntas. Una de las principales sería: 

¿Qué es esto?
Pregunta que admite diferentes respuestas:
  • Una pintura
  • Una mujer
  • Una sonrisa
  • Una reproducción
     Al margen de estas respuestas hay que considerar que dicha imagen representa una de las obras más importantes del arte clásico de Occidente. Así, el tema del arte no resulta sencillo en tanto pues, al ser uno de los espacios sociales más dinámicos, integra actividades como las humanidades, la tecnología, la religión, la historia, la política, la filosofía, etc. lo que les da a las obras una sobrecarga interpretativa que impide reducirlas a un único ámbito de conocimiento. 

    Así, uno de los principales rasgos de este tipo de imágenes es su capacidad para construir mundos nuevos, distintos del que nos rodea cotidianamente. Al mismo tiempo reflejan una necesidad (nunca satisfecha del todo) por expresar emociones e ideas y generar una respuesta emotiva en quien las recibe. 
    
     No es extraño entonces que para estudiar el campo del arte se sugiera revisar al menos las siguientes 3 esferas -y sus intereses-:
  • El de los medios masivos de comunicación. Marcado el ocio y la rentabilidad, no pertenece a una institución relacionada con la educación, por lo que reduce el arte al mero entretenimiento decorativo que sólo busca la promoción del consumo. Sus contenidos terminan por banalizar los contenidos, por ejemplo, la tragedia se vuelve telenovelas, de tal forma que su lectura del arte resulta conservadora al reducirlo (como en el siglo XVIII) a la pintura, la escultura figurativa y la danza clásica, formas que, si bien son interesantes, resultan históricamente rebasadas.
Así, la lectura del arte en los medios masivos resulta conservadora al banalizar los contenidos, promover cierta comodidad intelectual que anula toda crítica, y volver al artista un ser "genial" destinado o a la bohemia, o al sufrimiento evitando así toda explicación histórica de la realidad y reduciéndola a su simplificación estereotipada. 


  • El de la Academia. En el que hallamos investigadores, docentes y críticos que buscan no una rentabilidad inmediata sino la construcción argumentada del conocimiento. Integra la enseñanza de la Estética y el arte así como el análisis de los vínculos entre un creador y los artistas que le anteceden, su lenguaje artístico.

  • El campo de los artistas. Interesados en desarrollar su propia labor y fijar su postura -generalmente recurriendo a los manifiestos- ante las tradiciones a las que pertenecen. Exigen un público especializado y pueden representar momentos históricos de ruptura.
  •  



De esta manera estudiar este tipo de imágenes vuelve más rica la realidad en tanto permite aprender algunos principios de cómo funciona el lenguaje visual, ayuda a volvernos más críticos frente a nuestro entorno visual. El campo del arte y el estudio de las imágenes obliga entonces a considerar 2 cuestiones:
  • A alguien que al producir su obra no se limita a observar pasivamente su entorno: busca modificarlo de manera consciente.   
  • A quien, aprendiendo a leer las imágenes, adquiere un carácter más crítico de su realidad.
De hecho, una característica concreta del arte es su capacidad de romper con las ideas generalizadas, ya sea cuestionándolas, interviniéndolas o satirizándolas, etc. Así, si todos los días podemos encontrarnos con diferentes estereotipos trillados como este:


 
También es posible encontrar trabajos más críticos y cercanos a la idea de la construcción de la subjetividad:


En conclusión, es posible encontrar en nuestro entorno diferentes imágenes a partir de los cuales es posible desarrollar nuestra propia sensibilidad y subjetividad. El no contar con las herramientas críticas que nos proporciona la educación puede generar resultados en los que una persona que reduce su educación a los medios de comunicación masiva terminará por hacer suya la visión de la realidad que estos le presentan.




  • Enciclopedia de conocimientos fundamentales. UNAM-Siglo XXI. Tomo 2, México, 2010
  • Jiménez, José. Teoría del arte. Ed. Tecnos-Alianza Editorial, España, 2003

domingo, 2 de diciembre de 2012

Actividad 3. El circulo cromático


Les dejo lo que será el trabajo de esta semana a partir del tema de esta semana: el color. Si bien el trabajo lo vamos a hacer en el salón, les paso una lista de material y unas instrucciones para que tengan una idea del ejercicio. Si tienen duda de los materiales denle click para que los mande a una liga:

Material:
  • Ilustración o cartulina  cascarón: 1/8, Mide aproximadamente unos 25 x 38 cms.
  • Cinta cristal. Esta cinta, a diferencia del diurex tradicional, me permite 2 cosas: a) aplicarla a un papel y posteriormente quitarlo sin llevarse pedazos del mismo y b) pueden trabajar técnicas húmedas sin que se despegue. Se consigue en los Office Depot.
  • Godete y 2 recipientes para agua. Siempre debe trabajarse con agua limpia para conservar así nuestro trabajo. Conviene también que lleven un trapo para limpiar.
  •  Regla, escuadras, compas y transportador.
  • Pinceles y rodillo de hule espuma. Los pinceles hay de varios tipos, sólo hay que cuidar que sirvan para lo que vamos a necesitar. En este caso, como el acrílico lo permite, pueden ser de distintas calidades -sintéticos, de cerda natural, etc.- cuiden sólo que sean redondos y de tamaño mediano a grande -generalmente la numeración es de 5, 10 y 12-
  • Lápiz y goma.
  • Pinturas acrílicas -o gouache- de los siguientes colores: los primarios -azul, amarillo y rojo- y secundarios -verde, naranja y morado- así como el blanco y el negro.  

Como comprar material de buena calidad siempre implica un gasto considerable, conviene que en la compra de las pinturas trabajen en equipo: cada uno de ustedes puede comprarse un solo color y compartirlo con su equipo. Los botes de politec de 100 ml. rinden bastante y les cuestan alrededor de $20.00.

Ahora les dejo un poco lo que sería el inicio del trabajo:

Proceso:
  • Cortar el 1/8 de ilustración -o cascarón- para tener un cuadro de 25 x 25 cms.
  •  Trazar un margen de 1.5 cm. en cada lado de nuestro soporte. 
  •  Con un compas, trazar un circulo de 22 cms. aproximadamente 
  • A partir de éste, trazar 2 circulos más, que serán concentricos, es decir, los 3 circulos tendrán el mismo centro.
  • Dividir cada circulo en partes iguales: al primero -el más pequeño- le corresponden 3 partes iguales (o sea que cada segmento tiene 120°), al segundo 6 ( cada segmento de 60°) y al más grande 12 (30° cada uno)
  • Ponerle su camisa al soporte para que no se nos ensucie.


Por ahora asi lo podemos dejar, en clase comentamos características del color y del ejercicio.

Saludos..


martes, 20 de noviembre de 2012

Actividad 3. Ejercicio de textura.


Esta vez vamos a cambiar un poco el orden del trabajo. 
Les dejo el texto con el que vamos a trabajar esta semana, la idea es repartir un animal imaginario para cada uno de ustedes y, a partir de eso, resolver su elaboración. 

Lo primero es leer el animal que le tocó a cada quien y elaborar su boceto tentativo. Después pasar a hacer su maqueta -pensando en un tamaño aproximado de 20x20 cms y sin considerar escalas ni nada por el estilo- en el entendido de que este es un ejercicio de texturas por lo que se pueden usar cualquier tipo de materiales que nos aproximen al animal a representar.
Jorge Luis Borges - Manual de zoología fantástica

Saludos

lunes, 12 de noviembre de 2012

Sobre composición. Una ayuda

Les dejo también esta presentación que, aunque un poco larga, explica bastante de qué se trata la composición en términos visuales... Hay que viendo para que la podamos comentar en próximas clases...


También les pongo este otro sobre composición a nivel visual -más específicamente en la fotografía-; está más corto pero trae otras cosas interesantes. composición fotográfica
Saludos...

Actividad 2. Collage.


Estos son el cuestionario y la lista de material para esta semana. El cuestionario, otra vez, se contesta de manera individual a partir de la lectura anterior, en este caso sobre la importancia del arte:

CUESTIONARIO.

1.  ¿Por qué el arte es un reflejo espiritual de su época? 
2.- ¿Por qué el artista tiene una visión a futuro?
3.  ¿Por qué una sociedad sin arte es sólo tiempo perdido?
4. ¿Cómo podemos valorar cuando algo es o no arte?


La última pregunta, como exige una investigación, la pongo al final.


LA LISTA DE MATERIAL

Una base de cartón de 20 x 30 cms. -aproximadamente-

Revistas y periódicos
Telas de diferentes tipos
Pinturas -vinci o acrílica-
Tijeras y cuter
Engrudo o pegamento
 
Esta semana el trabajo que vamos a realizar es un collage, técnica básicamente pictórica que reúne en un mismo espacio diferentes recursos como la fotografía, maderas, telas, etiquetas publicitarias, etc. Su nombre se deriva del francés "cole", y fue acuñado por Georges Braque y Pablo PicassoEsta técnica se considera un ejemplo representativo del arte moderno pues en ella la imagen se fragmenta y une formando algo distinto, no necesariamente coherente. El siguiente es uno de los primeros collages reconocidos:

Pablo Picasso. Naturaleza muerta con silla de rejilla. Collage, 1912


Pero el collage no es pegar por pegar: hay que entenderlo como una salida creativa a la pintura tradicional, es decir, si la pintura tradicional recurría a técnicas exclusivas de la pintura, el collage cuestiona esta idea al incluir en la obra (por ejemplo) un pedazo de periódico con el cual el autor se permite hacer referencia a un momento histórico concreto, ofreciendo una nueva lectura. Con esto, el collage permite nuevas presentaciones, ya sea de forma o de contenido.

Otro recurso muy cercano al collage es el fotomontaje, que resulta de una intención por deformar la supuesta realidad de  la fotografía. Es una técnica que recurre al manejo de la foto y la ilustración para hacer algo muy próximo a la fotografía. Aquí uno de sus autores más representativos, John Heartfield, quien muestra cómo es posible, desde la imagen, enfatizar su crítica social:

John Heartfield. La cruz. Collage, 1932

Pero, como ya se había señalado en la lectura sobre la creatividad, estas técnicas no aparecen de la nada: vienen de una tradición. El fotomontaje, por ejemplo, aparece desde los inicios de la fotografía y se considera a O.G. Rejlander uno de sus precursores. En la siguiente imagen considera que ninguna persona estuvo junta: el autor juntó los negativos y construyó toda la imagen.

O. G. Rejalnder. "Los 2 caminos de la vida" Fotomontaje, 1857

Y, como cualquier producto cultural, también es posible ver cómo estas técnicas se nutren con el desarrollo social. Las técnicas digitales, por ejemplo, han permitido trabajos como este:

Pedro Meyer. "Oaxaca" Foto digital, 1997

Por otro lado, el segundo tema a desarrollar sería el de la composición de la obra, que se entiende como el modo de ordenar los elementos que integran un tema dentro de un área visual y mantienen el interés a partir de su unidad conceptual. Toda composición busca cierto equilibrio global entre sus elementos y el tema central: éste debe destacar a partir de su propia composición.

Entre los elementos a considerar en una composición se encuentra el formato, que es el marco básico a partir  del cual ubicar los puntos de atención, es decir, es el vehículo de la imagen. Tradicionalmente cuadrado o rectangular pues, en su posición vertical recuerda a la figura humana, mientras que la posición horizontal al paisaje.  

El formato establece los límites a partir de los cuales dividir la imagen en patrones, secciones o recursos alternos para destacar la información.

Otro elemento a considerar en toda composición es el del ritmo de dicha composición, que se genera con la repetición de los elementos y puede incluso constituir el tema central.

El tema de la composición será entonces el tema de las siguientes semanas, por lo que ya podemos regresar a la imagen de Richard Hamilton. con la que cerramos la lectura anterior: ¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos? 


Richard Hamilton. ¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?. 1956

Este es un collage representativo del pop art, movimiento artístico representativos del siglo XX, famoso por su uso de imágenes de la cultura popular y medios de comunicación -TV, cine, comic, publicidad, etc.- que se entiende, nuevamente, como parte de una oposición irónica a la idea de que la cultura se dividirse en 2: la del "gran arte" (o culto) y la del arte "popular" (o masivo). Pero este tema lo vamos a estar desarrollando en clase...
 
Y señalado ya esto, podemos empezar a dejar lo que va a ser la investigación por equipo (e individual) para resolver en estas 2 semanas: se trata de escoger alguno de los siguientes temas e identificar alguno de sus principales representantes y empezar a organizar exposición por equipo. La forma de trabajar la vamos a ir desarrollando en estos días, por lo pronto vayan considerando los temas:
  • Arte prehispánico mexicano.
  • Muralismo mexicano.
  •  Arte medieval. 
  • Arte renacentista. 
Saludos... 
 

lunes, 5 de noviembre de 2012

La importancia del arte.

Iluminar las profundidades del corazón humano es la misión del artsita
Schumman


Otro de los temas a considerar en este curso sería el de la importancia del arte en cualquier sociedad y tiempo. Autor representativo de estas reflexiones, Wassily Kandinsky, entendía todo producto humano como un reflejo espiritual de su tiempo y a  la obra de arte no sólo como producto de un autor, sino también de la esencia de cada época, por lo que, cuando una sociedad no tiene un representante digno, puede considerarse un momento perdido que no logró distinguirse de lo demás y sólo vivió de formas y principios ya idos.

Para Kandisnky toda obra de arte refleja una visión adelantada de su tiempo y muestra cómo las formas culturales que hoy nos parecen naturales son resultado de una lucha espiritual presente en cada uno de nosotros y en los diferentes grupos sociales. De esta forma, conocer una obra de arte nos permite conocernos a nosotros mismos.

Kandinsky plantea que, espiritualmente, nuestra vida puede entenderse como un triángulo cuya base simboliza el presente que lentamente avanza hacia arriba, es decir, nuestro espíritu busca ascender a través de nuestras acciones.

Pero en la época actual el espíritu de la sociedad muestra rasgos de desesperación: tras su aparente orden se oculta un miedo al "caos" que cada uno de nosotros tiene (y que entra en conflicto con el entorno que nos rodea) y donde la única salida sería dejar llevar nuestro espíritu al pasado, anulando con ello nuestro desarrollo espiritual en beneficio de un supuesto orden.

En esta búsqueda espiritual aparecen 2 tipos extremos de individuos:

    a) Por un lado, los artistas charlatanes cuyas obras no reflejan su tiempo ni pretenden superarlo, sólo se engañan a sí mismos y a los demás:


     b) Por el otro lado, el de aquellos sujetos que están en lo más alto del triángulo espiritual, en la cima, y cuya búsqueda integra todos los elementos (buenos y malos) de su vida como una forma de desarrollo, y como vía para devolver el talento que se les ha dado y contribuir a aclarar la atmósfera espiritual de todos. Estos son los artistas.




Kandinsky sugiere que lo que hace valiosa una obra de arte es su vida interna, cuando la espiritualidad que proyecta nos ayuda a encontrarnos espiritualmente a nosotros mismos.

Como se ve, con esto el arte también tiene sus usos y límites, por lo que es necesario conocer sus características y, así como el cuerpo necesita ejercicio para fortalecerse, el espíritu necesita comprender el punto de vista del artista y el nuestro como espectadores. Esto, que al principio puede parecer muy complicado, es sólo un principio para enriquecer nuestra forma de expresarnos. Se trata entonces de que, al resolver algo, adecuemos sus formas a sus propias necesidades.

Hay que señalar sin embargo que surgen varias preguntas:

¿Cómo valoramos cuando algo es o no arte?
¿Cuándo las cosas son bellas?
¿Por donde empezamos?

Podríamos empezar dicha valoración con los elementos internos que componen la obra y que nos hacen (o no) reflexionar sobre ella, es decir: no se trata de aprender a resolver de la mejor forma un trabajo sino de distinguir aquello que frena nuestro propio avance.

Al mismo tiempo, la sugerencia de Kandisnky es que, al ser una de las artes más sensibles, la música refleja muy bien nuestros cambios espirituales. Sus ritmos y tiempos muestran de forma inmediata las necesidades de alguien (un artista) que muestra su capacidad para expresarse. Así, si a los recursos de la imagen (el color y la forma, por ejemplo) le sumamos los de la música es posible obtener algo como esto:



Entendido esto podríamos ir haciendo, a manera de ejemplo, un análisis a partir de la siguiente obra de 1956 "¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?" (Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?) de Richard Hamilton :


Saludos...
Wassily Kandinsky. De lo espiritual en el arte.

lunes, 29 de octubre de 2012

ACTIVIDAD 1.


En esta entrada se ubican las 2 actividades a resolver esta semana, la primera corresponde a la parte teórica y la segunda a la lista de materiales para el trabajo en clase:


ACTIVIDAD 1: LA CREATIVIDAD

A partir de la lectura de entrada sobre el tema de la creatividad, y en tus propias palabras, contesta el siguiente cuestionario en el cuaderno para comentarlo la próxima clase:

1.  ¿Cuáles serían las diferencias entre la forma racional de resolver un problema y la forma creativa?
2. Desde lo señalado en la lectura ¿Cuál es la relación entre tradición, ruptura y creatividad?
3. Menciona 3 técnicas para desarrollar la creatividad propuestas en el video.
4. ¿Cuáles son las 3 capacidades que mejor desarrolla toda persona creativa?
5.¿En qué sentido los ejemplos señalados son una muestra de creatividad?



ACTIVIDAD 2: EL ENCUADERNADO.

El objetivo de esta actividad es vincular la lectura (la creatividad) con un ejercicio práctico, en este caso el encuadernado de la bitácora de la clase. Les dejo un video para que tengan una idea más clara de la actividad a resolver en clase:
 

Para esta primera actividad el material será:
  1. Cartón rígido o minagris. 
  2. Papel para forrar. Si se fijan en el video, pueden agarrar un cartel que les guste.
  3. Papel de color para las guardas. Puede ser de cualquier tipo, incluso bond de color.
  4. Pliegos de papel revolución. 3 o 4 por persona está bien.
  5. Pincel de cerdas natural de unos 3 o 4 cms. de ancho. 
  6. Cuter y tijeras.
  7. Lápiz y goma
  8. Regla.
  9. Engrudo -pensando en que formaremos equipos de 3 con 1/2 litro por equipo-
  10. Carrete de hilo de algodón del número 10
  11. Aguja de caneva, de preferencia del número 16. Una para cada uno.  

Esta es una lista de material mínimo, algunas cosas pueden ser en equipo -el pincel, cuter, tijeras, goma- pero los papeles deben ser individuales para que, al término de la clase, cada quien tenga su bitácora. Sólo en el caso de los cartones, al ser pliegos, permiten repartirselo entre 4. Los papeles aquí sugeridos son los más baratos pero pueden ser de mejor calidad aumentando obviamente su costo. En el caso del engrudo, conviene guardarlo en su refri para que se conserve en buen estado.

Para que tengan una idea más clara, y para los que no saben que van a hacer o cómo hacer algo más creativo, les dejo algunas ideas -algunas más sencillas, algunas más complicadas-:


Otra referencia, aunque mucho más complicada, es la de los llamados libros de artista que, paralelo al encuadernado, deja ver distintas salidas creativas:


Nos vemos la próxima clase...
Aarón